Trilha sonora

A arte da arte

27 de Marco de 2024, por Renato Ruas Pinto 0

Por coincidência, logo após escrever sobre uma loja de discos que ainda resiste aos novos tempos da música digital, recebi uma dica de um documentário sensacional. Ele conta a história do importante estúdio de design inglês Hipgnosis, que foi responsável por criar capas memoráveis de discos que marcaram a história do rock. Muitas capas de disco se tornaram parte integral da obra e é impossível falar de certos álbuns sem lembrar delas. Artistas investiram tempo e cuidado na criação de capas, pois entenderam a força que elas carregavam enquanto transportavam e protegiam a música em seu interior. O estúdio Hipgnosis, com muita inventividade e o uso competente das técnicas disponíveis, fez história com algumas capas que hoje são verdadeiros marcos.

O documentário se chama “Squaring The Circle”. Uma tradução livre seria algo como “fazendo a quadratura do círculo”, uma relação direta entre um problema clássico da matemática e as formas da capa e do disco. Ele está disponível no YouTube; infelizmente, apenas em inglês. Faço votos para que alguma alma caridosa coloque legendas em português o quanto antes para que mais pessoas possam assistir. O documentário reúne depoimentos de um time estelar que conta com David Gilmour, Roger Waters, Paul McCartney, Peter Gabriel e outros. Conta também com depoimentos de um dos fundadores do estúdio, Aubrey “Po” Powell, e imagens de arquivo dos outros sócios, StormThorgerson e Peter Christopherson, já falecidos quando da gravação.

Storm e Po eram amigos de adolescência daqueles que viriam a fundar o Pink Floyd. Estudaram arte e começaram a trabalhar profissionalmente com fotografia, quando foram procurados pelos amigos do Pink Floyd para produzir a capa de seu segundo álbum, “A saucerful of secrets” (1968), que marcou a saída de Syd Barret e a entrada de David Gilmour na formação clássica do grupo. Em uma era em que não existia Photoshop e afins, fizeram a capa com uma intrincada montagem de fotos e texturas. A partir daí, outros trabalhos começaram a aparecer e o estúdio cresceu em tamanho e importância. A consagração viria com a icônica capa de “The dark side of the moon” (1973) e seu prisma dividindo a luz em várias cores. De uma simplicidade incrível, a capa ganhou vida própria e se tornou um símbolo pop explorado e referenciado de todas as formas, mídias e linguagens que se pode imaginar.

A partir daí, o estúdio viraria uma referência e seria buscado por artistas, como Paul McCartney e Led Zeppelin. Eram tempos de dinheiro farto, orçamentos caros e extravagâncias, como viajar de Londres para o Havaí para fazer apenas algumas fotos ou pousar de helicóptero em um pico nevado nos Alpes Suíços para fotografar uma estátua para a capa da coletânea “Wings Greatest”, da banda de Paul McCartney. Na virada dos anos 70 para os 80, entretanto, as coisas começam a mudar. Em termos musicais, o rebuscamento e a sofisticação das produções de rock, em especial o progressivo, são substituídos pela simplicidade e o som cru do Punk e New Wave.

As capas também ficaram mais simples, muitas vezes só retratando os membros da banda. Storm pressentiu a mudança e convenceu os parceiros a transformarem o estúdio em uma produtora de filmes. O novo negócio, porém, não prosperou e foram à falência em dois anos, pondo fim à história de um estúdio lendário.

O documentário conta a história com detalhes e aborda não só o processo criativo do trio, mas também a curiosa interação com músicos e bandas. Capas tiveram sua importância e andaram junto à própria música dos álbuns. O CD, por conta das dimensões, já sacrificou muito essa arte e o tiro de misericórdia veio com a música digital. Assim, o documentário abre uma janela muito interessante para um passado ainda próximo. Quem curte um disco vai assistir com saudade. As novas gerações, por sua vez, talvez percebam o que nós perdemos com os novos formatos.

 

P.S.: Após finalizar a coluna, constatei que o vídeo foi retirado do YouTube. Agora a solução é esperar ser disponibilizado em algum streaming ou buscar em outras fontes.

Espécie em extinção

28 de Fevereiro de 2024, por Renato Ruas Pinto 0

A chegada dos gravadores de CD e do MP3 na virada do século foi como um furacão para a indústria da música, que arrasou tudo por onde passou e criou uma nova realidade. Com a possibilidade de carregar discografias inteiras em um pendrive, as vendas de CDs despencaram, a pirataria disparou e a música passou a ser distribuída por aplicativos de compartilhamento direto entre usuários como o Napster e Kazaa.

No Brasil, as lojas de discos fecharam uma a uma e espaços de venda de música em grandes lojas e livrarias foram diminuindo até sumir. Hoje, essas lojas se resumem a pequenos espaços dedicados a um nicho muito específico, de quem não abre mão do formato físico e de poder ler um encarte. Assim, qual não foi minha surpresa ao encontrar em Pouso Alegre, cidade de 150 mil habitantes no interior de Minas Gerais, uma loja de CDs de porte razoável e com um acervo de encher os olhos dos aficionados!

A dica da loja improvável veio pelo meu irmão, o Cacau, que viu um perfil no Instagram falando a respeito. Por coincidência, eu iria passar ao lado de Pouso Alegre nos próximos dias e resolvi fazer um desvio para conhecer o espaço. A loja em questão se encontra dentro do Hipermercado Baronesa e, ao chegar no local, eu não conseguia acreditar no que via. Era uma loja de grande porte para o padrão brasileiro e com um acervo de um tamanho que não via desde os anos 90. Em São Paulo, onde ainda resistem muitas lojas de música, não sei de nenhuma do mesmo tamanho. Em um espaço de corredores apertados e prateleiras altas se encontra toda a sorte de CDs, caixas especiais e um bom acervo de DVDs de shows, filmes e documentários. Ainda há uma pequena sessão de vinis com alguns bons títulos.

Há alguns motivos para a minha surpresa e maravilhamento com a descoberta. O primeiro é que, no Brasil, espaços de venda de mídias físicas são cada vez mais raros. No exterior são bem mais comuns e os CDs e vinis ainda resistem bem. Aqui no Brasil tornou-se coisa de apaixonado e as pequenas lojas que sobrevivem são quase confrarias ou clubes sociais onde donos e clientes se dividem entre o garimpo nas prateleiras e longas conversas sobre títulos raros e histórias sobre a gravação deste ou daquele álbum. Outro motivo de surpresa é o fato de encontrar tal loja em uma cidade de interior, razoavelmente longe dos grandes centros. Finalmente, a surpresa maior é o acervo em si, por conta de seu tamanho e qualidade.

Infelizmente, eu tinha pouco tempo para vasculhar as estantes, pois ainda tinha uma viagem longa pela frente. Porém, numa visita rápida de pouco mais de meia hora foi possível ver que a loja tinha uma variedade enorme não só de títulos, mas também de estilos, indo de clássicos de MPB e rock até os artistas contemporâneos do sertanejo universitário. Eu fiquei muito impressionado com o que vi, mas vale destacar que uma parte grande das prateleiras estava bloqueada para fins de inventário, de modo que não pude ver tudo. Ainda assim, fiquei impressionado com a disponibilidade de caixas especiais comemorativas, como as gravações dos Beatles em mono ou as discografias de artistas, como Gilberto Gil, Roberto Carlos e Elis Regina. Para não sair de mão vazia, levei o CD da edição especial dos 50 anos do Sergeant Pepper’s dos Beatles e um ao vivo do Bob Dylan. Mas a vontade era ficar por mais algumas horas para explorar melhor, o que ainda farei e que certamente causará um estrago no saldo bancário.

Você, leitor, pode me perguntar se ainda faz sentido comprar mídia física quando temos o streaming ao alcance do celular. Essa é uma discussão que já levantei nessa coluna e pretendo retornar. Porém, adianto que o streaming carrega uma série de problemas, como a indisponibilidade de títulos e o modelo predatório de remuneração aos artistas. Enquanto isso, há quem goste de ter o contato físico com o disco ou poder apreciar as artes das capas e eu sou um deles. Espero poder sempre ter acesso a lojas como essa que conheci. Longa vida ao CD e ao vinil!

Chama o síndico!

25 de Janeiro de 2024, por Renato Ruas Pinto 0

O “síndico” Tim Maia, passados quase 26 anos desde que nos deixou, continua presente e sendo lembrado e ouvido como merece. Há alguns anos o seu nome voltou à baila, com a sua cinebiografia, também adaptada para o formato de minissérie. Embora eu tenha várias críticas ao filme, é sempre bom ver a obra de um artista tão relevante ser resgatada. Não pretendo elaborar neste espaço meus comentários sobre o filme, mas, por achá-lo superficial e tratar do Tim Maia de forma meio caricatural, fiquei curioso para saber mais sobre sua história, quando entrei em contato com dois materiais relacionados e de autoria do produtor musical e escritor Nelson Motta.

Os materiais são a biografia “Vale tudo: o som e a fúria de Tim Maia”, publicada em 2007, e a série documental “Vale tudo com Tim Maia”, de 2022, cuja direção é assinada por Nelson Motta e Renato Terra. A série não segue um formato tradicional de documentário, com uma narração de terceiros, mas faz um ótimo apanhado de imagens, entrevistas e videoclipes do artista. Possivelmente, boa parte deve ter sido levantada durante a pesquisa do livro, já que é possível reconhecer várias de suas passagens enquanto se assiste à série, disponível no Globoplay.

O livro, por sua vez, conta a história singular do artista em ordem cronológica. Nelson Motta foi um amigo próximo de Tim Maia, além de ter sido um executivo da indústria da música, o que traz algumas passagens contadas em primeira mão e outras provavelmente ouvidas de pessoas próximas. A leitura do livro, porém, me deixou com a impressão – que foi confirmada após assistir à série documental – de que a pesquisa foi um pouco limitada e baseada em boa parte em material de jornais e entrevistas para a televisão. Considero, porém, um problema menor e foi muito interessante conhecer a história e trajetória de Tim Maia sem a visão simplista mostrada no filme.

Nelson Motta conseguiu mostrar, sem retoques, que Tim Maia era uma figura complexa e contraditória que reunia, no mesmo corpanzil, um talento único para música e uma falta de profissionalismo sem paralelo ou um romântico que ia da doçura à explosão em segundos. No livro também está presente o consumidor de doses cavalares de uísque, cocaína e maconha, prática que Tim chamava de “triatlo”, e o artista que tinha noção de que a classe era constantemente lesada pelos executivos da indústria da música e tentou tomar as rédeas da própria carreira, atuando como empresário, editor e administrador de seu selo e editora. Embora tenha falhado miseravelmente atuando do lado do negócio, essa é uma parte de sua vida muito interessante e que o livro mostra muito bem.

Falar do talento de Tim Maia como compositor é algo quase desnecessário quando se olha a longa lista de grandes sucessos que ele compôs e arranjou brilhantemente, mesmo sem saber colocar uma nota em uma partitura. Nelson Motta, porém, no seu livro faz um bem ao destacar suas qualidades de intérprete e com um ótimo faro para identificar grandes músicas. Ao falar do intérprete, Nelson Motta ainda faz justiça a compositores que impulsionaram a carreira de Tim Maia, como Cassiano, autor de “Primavera” e outras três músicas de seu primeiro disco, mas que foi solenemente ignorado no filme. A lista de sucessos compostas por terceiros é longa, como “Descobridor dos sete mares”, “Gostava tanto de você” e “Leva”. Suas interpretações memoráveis, naturalmente, fizeram com que o público as associasse automaticamente a Tim.

Uma figura complexa e controversa como Tim Maia merecia uma biografia. Ainda que a de Nelson Motta não seja exatamente primorosa, é uma leitura agradável e que acrescenta dimensões interessantes a um nome fundamental da música brasileira, o artista que soube misturar os importados soul e funk aos ritmos brasileiros. Mais do que o artista que faltava a shows frequentemente ou o dono de uma voz potente e cheio de suingue, Tim Maia tem outros tantos predicados – alguns positivos e outros não – que fizeram o que ele foi e ainda é.

Ecos do cânion

29 de Marco de 2023, por Renato Ruas Pinto 0

Os serviços de streaming em vídeo têm nos trazido documentários interessantes sobre música, falando de artistas, eventos ou movimentos. Esses documentários nos dão a oportunidade de conhecer as histórias de bastidores ou saber de detalhes que passariam despercebidos, por exemplo, ao ouvir certos discos. Recentemente pude assistir no Netflix a alguns documentários muito bons e pretendo comentar sobre aqueles que considero mais relevantes. Nesta edição, falarei sobre um, cujo tema nos remete aos agitados anos 60, período de efervescência do rock. Trata-se de “Echo in The Canyon – uma celebração à música”, de 2018, e que faz um recorte interessante sobre uma região de Los Angeles e a influência que seus ilustres moradores tiveram sobre a música do período.

O documentário, apresentado por Jakob Dylan, filho de Bob Dylan e líder da banda The Wallflowers, que gozou de algum sucesso nos anos 90, conta a história do Laurel Canyon e seus moradores famosos. Laurel Canyon é uma região montanhosa da metrópole Los Angeles e com um certo ar rural. Além do cinema, Los Angeles sempre foi um dos mais importantes centros da indústria da música, reunindo uma série de estúdios de porte e escritórios de grandes gravadoras. Assim, vários artistas sempre tiveram moradia em seu entorno. Um certo isolamento e um ar interiorano de montanha, mas logo ao lado da cidade gigante de concreto e aço, possivelmente foram decisivos para atrair uma série de músicos que por lá se instalaram.

O documentário trata justamente desse ambiente musical que reuniu artistas como o quarteto The Mamas & The Papas, os Byrds, de Roger McGuinn e David Crosby, e Brian Wilson, o inspirado compositor dos Beach Boys, além de outros tantos expoentes do rock e da contracultura dos anos 60. É natural que, com tanta gente talentosa reunida, o intercâmbio entre essas pessoas fosse frequente. Além de surgirem colaborações formais entre músicos, os encontros em festas, reuniões ou visitas privadas faziam com que os músicos estivessem sempre apresentando os rascunhos de seus trabalhos para pares exigentes, gerando um clima prolífico de composições de qualidade cada vez mais alta. O ambiente permitiu também a aproximação de músicos para somarem forças, como foi o caso do quarteto Crosby, Stills, Nash & Young. David Crosby havia sido expulso do The Byrds mais ou menos na mesma época quando o Buffalo Springfield de Neil Young e Stephen Stills se dissolveu.

No documentário, Jakob Dylan entrevista vários dos personagens que fizeram parte dessa cena e que revivem histórias e fazem análises interessantes do ambiente, das músicas e de um mundo que passava por rápida transformação no fim dos anos 60. É curioso poder ouvir em primeira mão essas narrativas, até para entender como era o processo criativo de vários artistas e saber mais sobre um momento crucial da arte popular. Todo esse intercâmbio e colaboração, a meu ver, não fez com que o que aconteceu no Laurel Canyon pudesse ser chamado de um “movimento”, isto é, quando vários artistas caminham claramente na construção de uma determinada estética. Ainda assim, o que se produziu ali naquele período será escutado e estudado por muitos anos.

Além disso, é de se esperar que não faltem histórias engraçadas envolvendo a excentricidade dos artistas, como a curiosa caixa de areia que Brian Wilson colocou em sua sala de visitas para acomodar seu piano. Ou histórias narrando os incontáveis problemas com a polícia por conta de festas com música alta ou, é claro, das drogas ilícitas, como a maconha ou o LSD, que estão invariavelmente associadas a esse período. Finalmente, o documentário faz um resgate musical muito interessante da época, com clássicos interpretados por Jakob e convidados de peso, como Fionna Apple, Norah Jones e Beck.

Enfim, é um documentário mais do que recomendado não só para quem curte e conhece a música do final dos anos 60, mas também para o ouvinte casual que tem a chance de descobrir novas músicas e artistas que merecem estar em qualquer playlist.

De novo na esquina

26 de Janeiro de 2023, por Renato Ruas Pinto 0

Certas pessoas conquistam, por merecimento, a imortalidade ainda em vida. E Milton Nascimento alcançou o status de lenda enquanto vivo e coroou uma carreira brilhante com uma despedida à altura da sua importância para a música. O ano de 2022 marcou o adeus de Milton às grandes turnês. Viajou o Brasil e o mundo levando para suas plateias um show emocionante e cheio de simbolismos de uma saída dos palcos planejada, privilégio que poucos artistas têm. “A Última Sessão de Música” foi o nome da turnê que fez um belo apanhado da carreira de um dos músicos mais brilhantes que esse planeta conheceu.

O talento de Milton para a música se mostrou ainda na infância ao aprender, sozinho, a tocar o violão. Em tempos em que estradas e as ondas de rádio uniam o mundo, a sua Três Pontas, onde foi criado, era praticamente um mundo isolado. Ele conhecia músicas pelo rádio e, após a audição, se virava com amigos, como Wagner Tiso, para tirar as canções. Essa falta de informação ou de intercâmbio com outros músicos é uma explicação que o próprio Milton dá para suas harmonias não usuais e acordes com os quais muitos músicos populares ainda hoje não estão habituados.

Sua ida para Belo Horizonte levaria a uma série de encontros e caminhos que carregariam Milton e sua música para o mundo. Sem dúvida alguma, o movimento conhecido como Clube da Esquina, liderado por Milton, Lô Borges, Beto Guedes, Toninho Horta e outros, foi a maior revolução musical no Brasil desde a Bossa Nova. Tal como a Bossa Nova, o movimento rompeu as fronteiras brasileiras e influenciou grandes músicos que se renderam à originalidade das melodias e harmonias intrincadas saídas das montanhas de Minas. Com uma discografia recheada de álbuns incríveis e canções que se tornaram clássicos, Milton é celebrado como um dos grandes que nossa rica música popular produziu. Não bastasse ser um compositor brilhante e inovador, Milton ainda foi presenteado com uma voz única. Se Deus cantasse, seria com a voz de Milton, disse certa vez Elis Regina, que foi a primeira artista de peso a gravar suas composições quando ele ainda era um desconhecido.

Com uma carreira tão rica e extensa, fica até difícil fazer uma seleção que consiga fazer justiça à toda obra de Milton. Porém, ele e sua equipe montaram um repertório irretocável. Acompanhado de uma banda de alto nível, liderada pelo competente diretor musical e guitarrista Wilson Lopes, Milton ainda trouxe uma novidade nos vocais, o jovem Zé Ibarra. A saúde já bastante debilitada cobrou o preço na voz de Milton, que encontrou em Ibarra um complemento para cantar determinadas canções ou as partes de notas mais agudas. E assim Milton executou uma turnê mundial sempre com ingressos esgotados e depoimentos emocionados de quem esteve presente.

O gran finale não poderia ser em outra cidade que não Belo Horizonte, fechando o ciclo onde Milton compôs suas primeiras músicas com o parceiro Márcio Borges. E os simbolismos do show não param aí. Não faltou no palco a participaçãodos parceiros do Clube: Lô Borges, Beto Guedes, Toninho Horta e Nelson Ângelo. E também estava lá o primeiro parceiro das descobertas musicais e conjuntos, Wagner Tiso. Cruzeirense declarado, Milton não deixou de homenagear, em pleno Mineirão lotado, o ídolo Tostão com a instrumental “Tema de Tostão”. Foi um show emocionante do início ao fim, onde o que mais se via na plateia eram largos sorrisos e olhos marejados de lágrimas. Todos ali tinham noção da importância histórica e artística do momento.

E assim, Milton fez uma despedida inesquecível. Sentado serenamente em sua cadeira, comandou a plateia em um show marcante e saiu de cena, de forma simbólica, nos braços dos seus fãs. Quem não viu tem a chance de assistir – e se emocionar – através do Globoplay. Vida longa ao Bituca e que, ainda que esteja dando adeus aos palcos, ele continue nos presenteando com sua música.